Galeria Podbrzezie

 

Double black diamond to wyrażenie pochodzące z dziedziny sportów ekstremalnych. Jest to trasa przeznaczona dla doświadczonych rowerzystów. Stanowi szczyt trudności w kolarstwie górskim. Trasy te są ogromnym wyzwaniem ze względu na niezwykle strome zjazdy, masywne spadki, ciasne i techniczne odcinki oraz inne zaskakujące elementy. Tylko osoby posiadające wyjątkowe umiejętności prowadzenia roweru, pewność siebie i sprawność fizyczną mogą podjąć wyzwanie i pokonać pokonać te szlaki. „Jeźdźcy” Double Black Diamond to śmiałkowie gór, którzy przesuwają granice tego, co jest możliwe na dwóch kołach (https://www.eamountainbike.com/latest-news/navigating-the-grades-understanding-mountain-bike-trail-difficulty).

Double Black Diamond to również tytuł najnowszej solowej wystawy krakowskiego artysty Grzegorza Bugaja. Wystawy, która jest przede wszystkim opowieścią o życiowej „trasie” artysty. Drodze wyboistej i z przeszkodami, ale też wyjątkowej, w której udało mu się połączyć sztukę i sport ekstremalny.

Wystawa jest nierozerwalnie związana z jego największa  pasją czyli kolarstwem grawitacyjnym, które Grzegorz Bugaj uprawia od ponad 20 lat. Sport  jest jego motywacją i motorem do działania. Ponieważ stanowi istotny element jego życia, w sposób naturalny wiąże się ze sztuką, z  twórczymi działaniami.

Artysta uważa, że istnieje relacja między doświadczeniem ekstremum w sporcie rowerowym a jego malarstwem. Grzegorz Bugaj poprzez sport wprowadza się w stan, który określa „flow” i maluje będąc pod wpływem nastroju i emocji wywołanych bezpośrednio zjazdem rowerowym. Chce uchwycić różnicę pomiędzy pracami, które powstały po kolarstwie, z tymi, które malował w oderwaniu od swojej pasji. Koncepcja Grzegorza Bugaja przywołuje skojarzenie z poszukiwaniami prowadzonymi już wcześniej przez Stanisława Ignacego Witkiewicza, który testował jak przyjmowanie różnych substancji, wywołujących specyficzne stany świadomości, wpływa na sztukę, którą tworzył.

Grzegorz Bugaj jest artystą pracującym cyklami, które w malarstwie, grafice czy rysunku pozwalają mu w znacznym stopniu wyczerpać interesującą go w danym momencie kwestię. Między cyklami  istnieje duża różnorodność tematyczna i formalna, jest jednak kilka zagadnień, które je łączą. Jego malarstwo nawiązuje do spontaniczności oraz automatycznych technik wykorzystywanych w sztuce przez surrealistów. Niektóre z prac wyglądają jak sen na jawie, w którym myśli zdają się stawać rzeczywistością. Mnogość biomorficznych form, emocjonalność, specyficzna kolorystyka prac Bugaja przywodzi na myśl twórczość Roberto Matty, artysty który stał na skrzyżowaniu dróg między surrealizmem a ekspresjonizmem abstrakcyjnym. Matta fascynował się emocjonalnością człowieka. Poszukiwał sposobu na przekazania całkowicie skrajnych, czy wręcz granicznych emocji i uczuć. Podobnie Grzegorz Bugaj poszukuje sposobu na pokazanie złożonych stanów emocjonalnych człowieka za pomocą malarskich środków wyrazu. Stany te, wywołane czy też podkręcone kolarstwem grawitacyjnym, są szczególnie interesujące dla artysty. Wprowadzają widza w świat, na który może spojrzeć oczami artysty. Zabieg spoglądania na świat „czyimiś” oczami jest popularny, szczególnie w animacji i filmie – daje nam możliwość wcielenia się w rolę opowiadacza historii. Historii, w której pojawiają się graficzne formy przypominające azteckie ornamenty albo steampunkowe stwory zaludniające wyobraźnię, nawiązujące stylistyką, estetyką i techniką do maszyn, które ożywione, przemierzają obrazy na wystawie, w pracowni, w domu… Jak stwory w Ruchomym zamku Hauru Hayao Miyazakiego.

Wystawa została zaaranżowana tak aby nawiązywać do pasji i aktywności prowadzonych przez Grzegorza. Sposób eksponowania prac malarskich oraz filmów swoim układem ma odnosić się do drogi Double black diamond jaką malarz-sportowiec podąża. Dodatkowe elementy aranżacyjne są zaczerpnięte bezpośrednio i pośrednio ze sportów ekstremalnych, ze zjazdu. Celem było stworzenie symulacji, klimatu, nastroju, emocji i przeżyć jakie towarzyszą odczuwaniu wyzwań z kategorii kolarstwa wyczynowego (grawitacyjnego).

Julita Deluga

Kuratorzy: Julita Deluga, Robert Domżalski

Wernisaż wystawy 21.02.2025, godzina 18:00
Zapraszamy na wystawę od 22 lutego do 14 marca,
w godzinach:
poniedziałek 11-16
wtorek 11-19
środa 11-16
czwartek 11-19
piątek 11-20
sobota 11-20
niedziela 11-20

Sobolewski mieści się gdzieś pomiędzy „opowiedzieć” a „namalować”. W swoich cyklach nie maluje ludzi. Szczególnie znaczące jest to w Krajobrazach szpitalnych. Motyw człowieka wydaje się mu obcy… (…) Nieobecność człowieka w jego obrazach polega na czymś, co w gruncie rzeczy stanowi dla mnie istotę tej twórczości: nieobecność jest rodzajem pustki, samotności przedmiotów, motywów, cieni i światła – po odejściu tych, których już nie ma. Którzy byli tu przed chwilą, ale się ulotnili. Sobolewski nie „opowiada”. Tworzy emocjonalne liryczne równoważniki, a ich natura leży nie po stronie narracji, lecz po stronie metonimii i metafory jednocześnie. Po stronie nieobecności i tęsknoty, i żalu po tych, którzy byli, ale już nie wrócą.

 Fragment tekstu Andrzeja Nowakowskiego Widzenie świata. Tekst zamieszczony był w katalogu Teraźniejsze i ponadczasowe, Kraków 2018

 

Stanisław Sobolewski (ur. 1952 w Krakowie) ukończył studia na Wydziale Filologicznym Uniwersytetu Jagiellońskiego (1971–1976) oraz na Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie w pracowni prof. Zbigniewa Grzybowskiego (1974–1979). W latach 1989/1990 odbył staż artystyczny pod kierunkiem prof. Stefana Gierowskiego na ASP w Warszawie. Od 1979 do 2022 roku pracował jako nauczyciel akademicki w WSP, przekształconej później w Uniwersytet Pedagogiczny w Krakowie. Tytuł profesora uzyskał w 2000 roku.

Jego prace były prezentowane na licznych wystawach indywidualnych i zbiorowych w kraju i za granicą. W latach 1982–1989 aktywnie uczestniczył w Ruchu Kultury Niezależnej. Od 1980 roku jest członkiem Związku Polskich Artystów Plastyków (ZPAP). Jego dzieła znajdują się w kolekcjach prywatnych i publicznych zarówno w Polsce, jak i za granicą.

 

Krakowska Szkoła Plakatu to program wydarzeń towarzyszących wystawie Post-Poster? − między sztuką a metodyką.

Harmonogram wydarzeń:
POSTER–FIESTA – CAŁY WEEKEND Z PLAKATAMI! 16–17.11.2024

16.11.2024, SOBOTA, WARSZTATY, prowadząca Justyna Jędrysek
Godzina 10:00–11:00 Warsztaty dla dzieci: zaprojektuj z nami plakat!
Godzina 11:30–12:30 Warsztaty nie dla dzieci: plakat tradycyjny

17.11.24, NIEDZIELA, WARSZTATY, prowadząca Anna Zabdyrska
Godzina 10:00–11:00 Warsztaty dla dzieci: zaprojektuj z nami plakat!
Godzina 11:30–12:30 Warsztaty nie dla dzieci: plakat typograficzny

28.11.2024, czwartek, godzina 18:00–20.00, Galeria Podbrzezie –
SPOTKANIE–PROJEKTOWANIE: EDYCJA PLAKATY!
Agnieszka Ziemiszewska oraz Jakub Kamiński
+ 20:30–23.30 – POSTER PARTY – przebierz się za ulubiony plakat!

Nasze wydarzenia kierujemy do wszystkich chętnych do zapoznania się z tym co to jest plakat. Nie ma znaczenia czy ktoś zajmuje się projektowanie czy nie – w programie będą wydarzenia i dla tych którzy to medium dobrze znają i dla tych którzy nic o nim nie wiedzą. Będzie można oglądać, tworzyć, dyskutować, słuchać.

CO I DLA KOGO:

WARSZTATY DLA DZIECI 9–12 LAT:
Warsztaty skierowane do dzieci chętnych zmierzyć się z nowym dla nich medium – plakatem. Co może, a co musi znaleźć się na plakacie? Po co tworzy się plakaty? Jaki powinien być, aby przykuł uwagę odbiorcy? Podczas warsztatów dzieci stworzą własne plakaty na jeden z wybranych tematów!
Organizator zapewnia materiały warsztatowe. Proszę zadbać o strój dogodny do warsztatów kreatywnych. Zapraszamy rodziców do technicznego wsparcia młodych projektantów.

Prowadzące: Justyna Jędrysek (sobota) i Anna Zabdyrska (niedziela)
UWAGA: Zapisy! Na warsztaty obowiązują zapisy pod adresem: galeriapodbrzezie@up.krakow.pl

WARSZTATY PLAKAT TRADYCYJNY
Warsztaty kreatywne, dla uczestników w wieku 17+. W ramach warsztatów będzie można stworzyć plakat robiony technikami tradycyjnymi, tak, jak to miało miejsce w słynnej Polskiej Szkole Plakatu. Organizator zapewnia materiały warsztatowe. Proszę zadbać o strój dogodny do warsztatów kreatywnych.

Prowadząca: Justyna Jędrysek
UWAGA: Zapisy! na warsztaty obowiązują zapisy pod adresem: galeriapodbrzezie@up.krakow.pl

WARSZTATY PLAKAT TYPOGRAFICZNY
Warsztaty kreatywne, dla uczestników w wieku 17+. W ramach warsztatów uczestnicy będą projektować plakat typograficzny czyli taki, który zbudowany jest wyłącznie z liter. Organizator zapewnia materiały warsztatowe. Proszę zadbać o strój dogodny do warsztatów
kreatywnych.

Prowadząca: Anna Zabdyrska
UWAGA: Zapisy! na warsztaty obowiązują zapisy pod adresem: galeriapodbrzezie@up.krakow.pl

SPOTKANIE–PROJEKTOWANIE: EDYCJA PLAKATY!
Spotkanie-prezentacja 2 profesjonalnych twórców plakatów. W ramach spotkania projektanci opowiedzą o swojej pracy zawodowej, pozytywnych i negatywnych stronach, opowiedzą o ciekawym przypadku projektowym lub podpowiedzą jak rozpocząć karierę zawodową w tym wybranym kierunku.

GOŚCIE:
AGNIESZKA ZIEMISZEWSKA – projektantka, plakacistka i edukatorka. Jej prace były prezentowane na wystawach całym świecie. Laureatka wielu nagród i wyróżnień. Zasiadała w jury krajowych i międzynarodowych konkursów i wydarzeń związanych z projektowaniem graficznym i plakatem. Była również kuratorką i współorganizatorką wielu wystaw w Polsce i za granicą. Pracuje na stanowisku profesora na Wydziale Sztuki Nowych Mediów Polsko-Japońskiej Akademii Technik Komputerowych w Warszawie.

JAKUB KAMIŃSKI – projektant plakatów, ilustracji prasowych oraz okładek książkowych. Absolwent ASP we Wrocławiu. Uczy projektowania graficznego w Technikum nr 15 we Wrocławiu. Członek Stowarzyszenia Twórców Grafiki Użytkowej. Jego prace były pokazywane na wystawach indywidualnych i zbiorowych w Polsce i zagranicą. Kilkukrotnie wyróżniony i nagrodzony na różnych konkursach graficznych.

Poster party – przebierz się za ulubiony plakat!
Silent disco w Galerii Podbrzezie pełnej plakatów! Spotkanie z plakatowym tematem przewodnim dla wszystkich fanów plakatu. Zachęcamy by przebrać się za ulubiony plakat, kreatywnie podejść do tematu!
UWAGA: Studenci wstęp wolny, pozostali 20 zł

Zapraszamy też na nasze wystawy:
14.11.2024, czwartek, godzina 18:00, Galeria Podbrzezie –
Otwarcie wystawy „Post-Poster? – między sztuką a metodyką”

28.11.2024, czwartek, godzina 17:30, Galeria Lorem Ipsum –
Otwarcie wystawy plakatów Jakuba Kamińskiego „Napój chłodzący typu oranżada”

Projekt współfinansowany ze środków Miasta Krakowa w ramach projektu „Sztuka do rzeczy. Design w Krakowie”.

 

POST-POSTER? Między sztuką a metodyką
wystawa plakatów

Czym obecnie jest plakat? Czy nadal jest tylko drukiem dużego formatu, łączącym tekst i obraz? Rozszerzył przecież obszar swojego oddziaływania na Internet, tablice ledowe, zyskał nowe walory dzięki animacji, formom interaktywnym, czy Augmented Reality. Dla wielu twórców plakatem nie jest już tylko druk a sam projekt. Dla innych definicja plakatu jest bardziej metaforyczna i związana z jego procesem kreacji, a plakat to sposób myślenia, który prowadzi do syntetycznej, metaforycznej wypowiedzi, gdzie jeden kadr potrafi zatrzymać widza i go poruszyć, odwołując się do skrótów myślowych czy podświadomych obrazów.

Wystawa zaprasza do odkrycia unikalnych metod projektowania plakatów prezentowanych przez twórców-wykładowców z Polski i zagranicy. To niepowtarzalna okazja, aby zrozumieć, co stanowi fundament edukacji projektowej i skąd czerpią inspirację projektanci. Zapraszamy do prześledzenia różnego podejścia i technik, które wpływają na proces twórczy w tej dziedzinie, ukazując bogactwo form i pomysłów, jakie plakat może zaoferować.

UCZESTNICY WYSTAWY:
Agnieszka Ziemiszewska, PJATK Warszawa
Alexander Ruth, Keimyung University, South Korea
Anna Zabdyrska, UKEN Kraków
Artur Skowroński, ASP Wrocław
Barbara Janczak, UKEN Kraków
Barbara Widłak, ASP Kraków
Daria Malicka, UKEN Kraków
Eugeniusz Skorwider, UAP Poznań
Grzegorz Izdebski, UŚ Katowice
Jacek Staniszewski, ASP Gdańsk
Jakub de Barbaro, Kuba Sowiński, ASP Kraków
Jakub Hakobo Stępień, ASP Łódź
Joanna Tyborowska, ASP Kraków
Justyna Jędrysek, UKEN Kraków
Kaja Gliwa, ASP Kraków
Kaja Renkas, UŚ Katowice
Karolina Grudzińska, ASP Łódź
Karolina Szafran-Kamrowska, UKEN Kraków
Katarzyna Wojdyła, UKEN Kraków
Krzysztof Białowicz, UMK Toruń
Lech Majewski, ASP Warszawa
Li Xu, Beijing Institute of Graphic Communication, China
Łukasz Kliś, UŚ Katowice
Magdalena Wosik, ASP Wrocław
Marcin Klag, UKEN Kraków
Marcin Urbańczyk, UKEN Kraków
Michel Bouvet, EPSAA, Paris
Monika Chrabąszcz-Tarkowska, Akademia Tarnowska
Monika Starowicz, ASP Katowice
Nikodem Pręgowski, UMK Toruń
Olga Turkiewicz, UKEN Kraków
Patrycja Longawa, WSIiZ Rzeszów
Peter Javorik, ASP Kraków
Piotr Depta-Kleśta, AS Szczecin
Piotr Garlicki, ASP Warszawa
Rikke Hansen, Design School Kolding, Denmark
Ryszard Kajzer, ASP Warszawa
Sebastian Kubica, UŚ Katowice
Sławomir Kosmynka, ASP Łódź
Stanisław Gajewski, APS Warszawa
Stefan Lechwar, UŚ Katowice
Steven Dana, MARIST College, NY, US
Szymon Szymankiewicz, UAP Poznań
Tomasz Broda, ASP Wrocław
Tomasz Jędrzejko, UŚ Katowice / AŚ Katowice
Tomasz Kipka, UŚ Katowice
Wojciech Kołek, Akademia Tarnowska

15.11.2024−12.01.2025
WERNISAŻ: 14 listopada, godzina 18:00

Organizatorem wystawy jest Zespół Badań Obszarów Komunikacji Wizualnej w składzie: Justyna Jędrysek, Marcin Klag, Karolina Szafran-Kamrowska, Marcin Urbańczyk, Katarzyna Wojdyła (koordynatorka) oraz Anna Zabdyrska. Wystawa powstała w ramach realizacji projektu badawczego „Projektowanie jako zderzenie i integracja tego, co lokalne, z tym, co globalne”, finansowanego przez Uniwersytet Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie. Wystawa jest częścią programu „Sztuka do rzeczy — design w Krakowie”.

The main theme of the exhibition EVOLVING VISIONS, which consists of works by five teaching artists and five selected students of the Department of Art and Education of the Faculty of Education of the University of Jan Evangelista Purkyně in Ústí nad Labem, the future art teachers, is the interplay between pedagogical and artistic approaches. The diverse artistic concepts of the teachers of one department are naturally reflected in the artistic expression and ideas of creative concepts of their students, creating a mutually permeable space. Through visual form, the exhibition offers opportunities to consider the influence of various teaching approaches by teaching artists, the relevance of their themes and expressive means in relation to the emerging and formative ideas and modes of expression of the upcoming generations. It also reflects on the general process of building on what already exists and the demands of current invention within the pedagogical process of a teaching artist and an art teacher.

MARGITA TITLOVÁ YLOVSKY (*1957) has long been fascinated by the possibilities of making the intangible visible. She is interested in the space of personal identity. This is also the subject of the exhibited work by KAROLINA JÁNSKÁ NEUMANN (1993*), in which she reflects on the power of innate characteristics, formation through upbringing and social influences. For VLADIMÍR FRANZ (*1959), landscape is a key artistic and musical theme. MARTINA TESAŘOVÁ (*1989) mediated the theme of jungle and wildness in her paintings, with a contrasting reference to the rationality of contemporary civilization. In the works of MARTIN VELÍŠEK (*1968), conceptual thinking about an image is directly intertwined with thinking about human existence. The prints by EVA VÁPENKOVÁ (*1979) show a characteristic preoccupation with transcribing traces of memory from a concrete landscape into a spatial composition made up of layers of abstracted horizontals, positive, direct impressions. JAN PROŠEK (*1977) works with the metaphor of landscape in motion. He relates the quality of the reciprocity between apparent stability and constant change to the position of individual human destiny in the context of historical events. The installation by KRISTÝNA MOUCHOVÁ (*1999) is a testimony of a personal relationship with the landscape of the Romanian Banat. MIROSLAV HAŠEK (*1988) has long dealt with the theme of reminiscence, remembrance, memory – both on a personal and collective level. MIKULÁŠ ONDRUŠ (*2003) presents his own interest in carving, inspired by Baroque morphology.

The whole exhibition can be perceived as a space of exchange of different ideological concepts and forms of expression, as a metaphor-fragment of the creative environment at school. An environment for the perception of one’s own themes and possibilities and their further realisation, an environment of continuously emerging creative visions.

Artists:

Margita Titlová Ylovsky – Karolina Jánská Neumann / Vladimír Franz – Martina Tesařová / Martin Velíšek – Eva Vápenková / Jan Prošek – Kristýna Mouchová / Miroslav Hašek – Mikuláš Ondruš

Jan Evangelista Purkyně University in Ústí nad Labem – Faculty of Education – Department of Art and Education

Wystawa otwarta od 04.-25.10.2024 od wtorku do piątku w godzinach 11-16.

 

Czy można przytulić ciemność?

Timothy Morton proponuje nam byśmy zamieszkali w ciemności. To jedyne wyjście z katastroficznej wizji Antropocenu dające nadzieję na zbudowanie nowego świata.

Artysta Tomasz Kawecki umieszczając na początku swojej książki węża pożerającego własny ogon – Uroborosa, podąża za myślą Mortona i zaprasza nas do wejścia w mrok. Uroboros według Mortona jest symbolem splątania człowieka z tym co dziwne, odrażające i potworne. Zapowiada powrót widm wypartych z oswojonego świata. Odsunięte treści wracają jak chwasty przebijające asfalt. lm czyściej wyrywamy i pryskamy, w naszym mniemaniu niepotrzebne rośliny, stają się one mocniejsze i całkowicie odporne na śmiercionośne warunki.

To co widzimy w ciemności nie pasuje do wizji harmonijnej, dziewiczej natury. Głęboko pod ziemią żyją pokryte śluzem potwory. Mieszkają w czarnej, skażonej wodzie. Powoli sami się w niej zanurzamy, tracimy pod nogami grunt i pozwalamy się ponieść truciźnie.

Nie bez powodu projekt In Praise of Shadow powstał podczas rezydencji artysty w Nowej Rudzie. To najbardziej zanieczyszczone miasto w Polsce. Węglowy krajobraz splata ze sobą ciała ludzi i nie-ludzi. W smogu organizmy mieszają się ze sobą, tracąc kontury. Nadmierna ingerencja człowieka w Ziemię obudziła demona. Przerabiamy szczątki roślin i zwierząt w trującą energię. Ogrzewamy nią swoje ciała, napędzamy maszyny. Zasoby planety wydają się nieskończone, ale wszyscy chyba już wiemy, że cena, jaką przyjdzie nam wkrótce zapłacić jest bardzo wysoka.

Na dnie czarnej wody leży węgiel, ropa naftowa, kości, odłamki plastiku, martwe tkanki zwierząt. Na dnie czarnej wody rosną grzyby i porosty. Dryfujemy w niej, stała się zbyt gęsta by się w niej poruszać.

Kawecki prowadzi odbiorcę przez kolejne kręgi wtajemniczenia w ekognozę. Przechodzimy przez opuszczone domy i kopalnie, obserwujemy nowe życie, które odzyskało swoją autonomię, jest całkowicie niezależne od działania człowieka. Takie miejsca budzą w ludziach niepokój, są zaprzeczeniem antropocentrycznego porządku świata. Przekonanie człowieka o swojej wyjątkowości względem innych istnień stoi pod znakiem zapytania. Tutaj nie obowiązują ludzkie zasady, nie istnieją dogmaty religijne, ustroje gospodarcze czy polityczne. Rozum również na nic się nie zda.

Z mroku wyłaniają się Lovecraftowskie hybrydy, które sami wyhodowaliśmy. Musimy teraz znaleźć dla nich miejsce w naszym ucywilizowanym świecie. Musimy wypić czarną wodę.

Kurator: Michał Łuczak
Tekst i dźwięk: Aleksandra Przybysz

Wystawa w ramach festiwalu Miesiąc Fotografii w Krakowie / Krakow Photomonth
Wystawa czynna od 29.06. − 19.07.2024

 

W ramach wystawy artyści nawiązują do motywów rozpadu oraz stwarzania świata, chcąc uchwycić wielowymiarowość tych procesów. Pokaz jest w założeniu sumą przemyśleń, emocji, podświadomym echem aktualnych zdarzeń, przeczuciem, wyobrażeniem tego, co nastąpi.

Akompaniamentem do wystawy jest opowiadanie holenderskiego prozaika Belcampo pt. „Wielkie wydarzenie” (oryg. tytuł „Het grote gebeuren”). Rzecz ma miejsce w małym niderlandzkim miasteczku Rijssen. Główny bohater wraz z sąsiadem odnajdują w domu niewielkie, niespotykane dotąd stworzenie. Próbują je nazwać, sklasyfikować, ale na próżno. Nazajutrz, okazuje się, że całe miasteczko opanowują różnej maści byty o wymyślnych kształtach. Powoli domyślamy się jaka jest ich rola. Są emisariuszami bliżej nieokreślonej siły wyższej i fundują miasteczku swoisty rodzaj sądu ostatecznego. Specyficzna atmosfera tego apokaliptycznego opowiadania niesie ze sobą absurdalny spokój w najbardziej wyczekiwanym, dramatycznym momencie czasu. Być może nie chodzi tu nawet o sam koniec, a o moment pewnego przesilenia, napięcia, które z czegoś wynika i musi znaleźć swoje ujście. Ważniejsze zdaje się być to, co tuż przed i tuż po.

Artyści biorący udział w wystawie:

Juliusz Kosin, Berenika Kowalska, Kamil Kukla, Krzysztof Maniak, Andrzej Pawłowski, Olga Pawłowska, Mateusz Rafalski, Michał Stonawski

Kuratorzy:

Juliusz Kosin, Olga Pawłowska, Mateusz Rafalski

 

Wystawa będzie otwarta w dniach 18.05 – 14.06.2024

Wernisaż: 17 maja 2024, godz. 18

 

Osią narracyjną wystawy jest słowo ODCZUWAJ! Wystawa w Galerii Podbrzezie zbudowana została w oparciu o cztery wątki interpretacyjne. Odczuwanie to wyrażane poprzez swoje projekty sprzeciwu wobec zachodzących wydarzeń społecznych, czy politycznych. Odczuwanie to tworzenie produktów zgodnie z zasadami designu zrównoważonego; projektowanie kampanii społecznych szerzących świadomość ekologiczną. Odczuwanie to empatyczne spojrzenie na potrzeby każdego użytkownika. Odczuwanie to uważne spojrzenie na swój proces projektowy; poszukiwanie w nim balansu między pracą, zaangażowaniem a własnym komfortem.

Projektantki — Projektanci:

Baniak Marcin, Bąk-Tokarska Sonia, Bogusz Mateusz, Brońka Renata, Chrabąszcz-Tarkowska Monika, Cichecka Katarzyna, Izdebski Grzegorz, Janczak Barbara, Jędrysek Justyna, Klag Marcin, Kolasiński Lech, Kosztyła Maia Aleksandra, Kosztyła Bandeira Maia Pedro, Latała Dagmara, Latała Jacek, Liput Przemysław, Malicka Daria, Mucha Bartosz,
Natkaniec-Papp Monika, Pińczyńska Magdalena, Sośniak Ewelina, Starakiewicz Maja, Szafran Karolina, Tokarski Michał, Turkiewicz Olga, Urbańczyk Marcin, Węgrzyniak Anna, Wojdyła Katarzyna, Zabdyrska Anna, Zdebiak Marta

Kuratorka: Agata Wójcik
Identyfikacja wizualna: Antonina Jasińska, Karolina Szafran
Projekt aranżacji wystawy: Marta Zdebiak
Koordynacja wystawy: Katarzyna Wojdyła
Druki: Drukarnia Sztuki

Otwarciu wystawy „Odczuwaj!” towarzyszy wydarzenie równoległe – wystawa plakatów na słupach plakatowych w przestrzeni miejskiej powstałych w ramach projektu Poster Challenge 5.

Uczestnicy: Studentki i studenci polskich i zagranicznych wyższych uczelni artystycznych

Organizacja PCH: Koło naukowe GRUPA – Grupa Grafików Projektantów Uniwersytetu Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie
Opieka merytoryczna: dr Justyna Jędrysek, dr Marcin Urbańczyk, dr Katarzyna Wojdyła
Identyfikacja wizualna: Aleksandra Surowiec

Wernisaż: PIĄTEK, 19.04.2024, godz. 17:00

2023 był najcieplejszym rokiem w historii pomiarów. This is fine. Na świecie jest już 37 milionów uchodźców. This is fine. Znów wymarło kilkanaście gatunków ptaków, ryb i ssaków. This is fine! Przecież nic na to nie poradzimy.

Szkocki filozof, Thomas Carlyle potępiał sarkazm, nazywając go „językiem diabła”. Z kolei Dostojewski interpretował go jako „krzyk rozpaczy – ostatnie schronienie ludzi skromnych, gdy ich dusza jest nachalnie atakowana”. Niestety, Dostojewski był też ksenofobem i rasistą, więc nie można go już cytować. This is fine.

Nazwijmy to więc satyrą. Publicystyka ma wszak ciągle dobrą prasę. Gdzieś pomiędzy zdezorientowaną akceptacją a całkowitym zaprzeczeniem, kiedy otaczająca nas rzeczywistość przekracza wszystko to, co dotąd uznawaliśmy za wyobrażalne, artyści obśmiewają i objaśniają nam świat, za pomocą ilustracji, komiksu, animacji.

 This is fine to cytat z popularnego mema internetowego, przedstawiającego antropomorficznego psa siedzącego z kubkiem herbaty w płonącym pokoju. W 2023 roku New York Times określił go „memem, który zdefiniował dekadę”. Dekadę końca antropocenu, kryzysu klimatycznego, wyczerpywania się paliw kopalnych, wojen, migracji i gwałtownego rozwoju sztucznej inteligencji.

Mimo ogromnej popularności mema, niewiele osób wie, że powstał on na bazie komiksu internetowego z 2013 roku, autorstwa amerykańskiego rysownika KC Greena. W oryginale komiks składał się z sześciu kadrów, z których ostatni przedstawiał psa topiącego się jak wosk od otaczającej go wysokiej temperatury. Zapytany o popularność tylko dwóch pierwszych kadrów komiksu, artysta odpowiada, że „łatwiej jest sprzedać dwa pierwsze kadry, niż całą historię”.

„Być może chodzi też o nadzieję.” – dodaje.

Artyści biorący udział w wystawie: Dominika Bobulska, Mateusz Kołek, Inga Levi, Agnieszka Łukaszewska, Nicolas Mahler, Dagmara Matuszak, Małgorzata Niespodziewana-Rados, Tomasz Niewiadomski, Mateusz Rafalski, Tomasz Spell, Bogna Sroka-Mucha, Jacek Świdziński, Václav Šlajch, Bartosz Zaskórski, Magdalena Żmijowska.

Kurator: Artur Wabik

Wystawa towarzysząca 13. Krakowskiemu Festiwalowi Komiksu została zrealizowana w ramach współpracy Uniwersytetu Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie z fundacją Muzeum Komiksu.

Wernisaż wystawy: piątek, 22 marca, godz. 20:00

Wystawa otwarta do 12 kwietnia,
od poniedziałku do piątku w godzinach 10-15
oraz w weekend festiwalowy 23-24 marca w godzinach 10-18

Olga Winiarczyk poszukuje wolnego pola z dala od opresyjności i ucisku systemu. Jest to nomadyzm wymykający się ze sformalizowanych struktur, apaństwowy, apolityczny, anarchizujący. Stany graniczne utożsamiane są z wolnościowym polem, pozbawionym jasnych ram, zasad i granic. Tutaj nie znajdziemy klarownych rozwiązań. Możemy błądzić po tych wizualnych krainach szukając nadaremnie odpowiedzi. Nomadyzm to podróż w odmienne stany psychiczne identyfikowane jako choroby. Wobec aparatu państwowego to zjawiska niewygodne i niepożądane. Obrazy są właśnie o tych stanach, o osobach, które skazane są niejako na nomadyzm, wykluczenie i lekceważenie. Tam mimo przeszkód i oporu, toczy się życie pełne trudów. Obok fluorescencyjnych kolorów pojawiają się pigmenty naturalne w postaci krwi lub spiruliny. Ów brak wolności psychicznej, pełen ograniczeń, poddany jest próbom wchodzenia w odmienne stany świadomości, mentalne krainy, których nieodłącznym elementem jest przygoda. Nomadyzm psychiczny, podobnie jak ten wędrowny, nie daje się w żaden sposób uformować, nie poddaje się normom, jest nieobliczalny i pełen niespodzianek. Video pt. Mania to opowieść o bipolarności, czyli braku przynależności do czegokolwiek. Akcja rozgrywa się w krainie błędu i obłędu równocześnie. To beznamiętne przyglądanie się tym stanom, brak identyfikacji. Wszystko dzieje się jakby w gęstej magmie, w jakimś niedostępnym stanie świadomości, przy dźwiękach psychodelicznej muzyki. „These are not my side. Neither right not left. My country is not my name. I am from bipolar states”; to ascetyczne zdania opisujące precyzyjnie ruchome obrazy, stany niedostępne. Książka „BIPOLAR” stanowi niejako kontynuację malarskich oraz video opowieści. Jest bardzo metaforyczna, posiadająca otwarte pole interpretacyjne. Pojawia się figura nomady jako irracjonalna, pełna sprzeczności postać nasycona swoistą ironią. Są to wizje gdzieś z pogranicza światów. Ogrody, oralne utopie, maszyny i zwierzęta, bipolar, odnajdywanie i ujarzmianie obrazów, wytwory polityczne, załamane przestrzenie; one współtworzą tą opowieść. „Każda postać wyraża procesy myślowe nie treść”… „Wszystko, co jest nie wprost wyjdzie w procesie”.

Wystawa otwarta do 14 marca, od poniedziałku do piątku w godzinach od 10 do 18.